La peinture

Choisir des œuvres d’art pour votre maison – Comment interpréter une peinture

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LE NARRATEUR

Cherchez d’abord l’histoire, décrivez simplement ce que vous voyez. Qui ou quoi est représenté, que se passe-t-il? Quand on voit des gens et des choses, la peinture est figurative; si vous voyez des lignes et des éclaboussures, n’allez pas au figuratif. Le nom de la peinture peut être utile, en particulier lorsqu’il s’agit de Dali.

Qu’est-ce qui semble le plus important pour l’artiste – la représentation ou l’expression? Comparez les peintures dans les styles hyperréalisme et expressionnisme – vous pouvez toujours voir si les images semblent idéalisées ou expressément déformées.

Remarquez les sentiments que vous ressentez lorsque vous regardez la peinture, l’impression générale produite par la peinture entière et ses éléments – plus tard, vous creuserez plus profondément pour comprendre ce qui a inspiré ces émotions. Il y a une raison pour laquelle vous aimez une peinture plus qu’une autre. Votre goût pour l’art est aussi unique que votre goût pour la nourriture ou les vêtements, inspiré par votre parcours, votre éducation et même votre expertise professionnelle.

L’ARRIÈRE-PLAN

Rassemblez des informations sur l’artiste et son histoire. Pour analyser «Guernica» de Picasso, il faut savoir que Guernica est une ville démolie par les nazis, et il faut lire les caractéristiques essentielles du cubisme. Pour interpréter l’image d’embrasser des gens recouverts d’un morceau de tissu dans “Les Amoureux” de Magritt: tout ce que vous devinez en regardant le tableau tombe à plat dès que vous savez que la mère de l’artiste s’est noyée dans la rivière, et une fois trouvé, un morceau de tissu était enroulé autour de sa tête. Alors ne comptez pas trop sur vos compétences et vos goûts, il y a des choses à SAVOIR avant de faire des hypothèses.

Le contexte historique des peintures elles-mêmes est important. L’artiste était-il un innovateur, a-t-il lancé une nouvelle tendance ou un nouveau mouvement, dont a-t-il / elle suivi les pas? Dans quelles expériences a-t-il été impliqué? Comment la peinture était-elle perçue par les contemporains? Claude Monet a commencé l’impressionnisme avec le tableau “Sunrise. Impressions”. Malevych a commencé le suprématisme comme un développement dans le domaine de l’abstraction, exposant la nouvelle théorie artistique de la couleur, de la forme et de la composition de la peinture. Les lignes rugueuses et les couleurs brutes des peintures fauves remontent à Van Gogh. Pensez-vous qu’il y a quelque chose de nouveau suggéré dans le tableau que vous regardez, ou y a-t-il quelque chose de distinctif à ce sujet?

LE GENRE

C’est facile. Il existe un nombre limité de genres dans les arts visuels pour catégoriser la peinture: est-ce un portrait, un paysage, un paysage marin, un paysage urbain, une peinture de genre, une pièce de combat, une peinture historique, une peinture religieuse ou mythologique, une peinture littéraire, un autoportrait, une peinture animalière, un nu, une nature morte ou une peinture abstraite?

LE STYLE / MOUVEMENT

Le moyen le plus rapide d’interpréter un tableau est de déterminer à quel mouvement il appartient, ou du moins quels mouvements et styles ont influencé l’artiste. Le style influence le choix et le traitement du sujet, la couleur, la perspective et les symboles.

Les impressionnistes, par exemple, ont expérimenté des perspectives inhabituelles – œil d’oiseau ou œil de grenouille; leur pinceau est visible et les couleurs sont mises de côté pour se fondre dans l’œil du spectateur plutôt que sur la palette. Dans l’impressionnisme, la lumière est plus importante que les personnes qu’elle reflète – très différente du romantisme.

Dans le romantisme, il faut être poète, révolutionnaire, gitan ou vagabond pour entrer dans la peinture – ils appréciaient l’esprit audacieux, la liberté et les gens qui étaient différents.

Les artistes primitivistes (naïfs) ont représenté des objets d’une manière monumentale solide, comme le voit un enfant qui perçoit le monde dans son ensemble, sans l’analyser et le décomposer en éléments inutiles.

Dans le symbolisme, vous devez rechercher le sens caché, et cela n’a absolument aucun sens dans le pop art, l’op art, l’art nouveau ou l’hyperréalisme. Chaque style et genre définit ses exigences, alors revoyez le mouvement auquel appartient l’artiste avant de passer à autre chose.

LA COMPOSITION

Revenez maintenant au sujet et à vos premières impressions du tableau. Il est temps d’analyser comment l’artiste vous a fait ressentir ce que vous ressentiez en utilisant les ressources artistiques à sa disposition. La composition est la position et l’équilibre des objets et des personnages dans l’espace, la relation mutuelle entre leur taille, leur couleur, leur teinte, etc. Comment tout cela influence-t-il exactement votre perception? Creusons dedans.

Tout d’abord, considérez la taille de la peinture. Plus le sujet est impressionnant, plus les émotions qu’il suscite sont fortes, plus il est grand. Les peintures religieuses et mythologiques sont souvent énormes – leur énorme énergie vous fait frissonner. C’est tout à fait compréhensible avec des peintures figuratives telles que “La Vierge Sixtine” de Rafael, et plus subtile avec les peintures de champ de couleur de Mark Rothko. Les gens sont souvent submergés par des tremblements religieux en présence de ses œuvres d’art, et la taille joue un rôle. En outre, le sujet nécessite souvent des toiles plus grandes – les scènes de bataille ont besoin d’espace et ne peuvent pas être intégrées dans une peinture plus petite, tandis que certains sujets sont perdus à moins d’être représentés dans un format plus petit.

Jetez maintenant un œil à la forme de la toile – vous pourriez la prendre pour acquise, mais cela affecte le sentiment subconscient que vous ressentez lorsque vous appréciez une œuvre d’art. Les toiles rondes et ovales donnent une impression de sérénité et d’exhaustivité, elles sont souvent choisies pour des portraits féminins et doux, comme le “bain turc” d’Ingre. Les peintures rectangulaires – verticales ou horizontales – sont plus compliquées. Bien qu’il soit largement utilisé dans les paysages, le format horizontal peut servir à réduire, contraindre ou transmettre la figure représentée, comme on le voit dans le “Démon” de Vroubel. Le format vertical offre monumentalité et stabilité.

Passons maintenant à l’analyse du centre de la composition. Il y a un centre optique au centre – vous remarquerez que le centre de la composition, l’élément principal, n’y sera jamais placé, sinon la scène aura l’air artificielle. Le centre de la composition sera toujours l’élément le plus proéminent, et le reste ne servira qu’à le rendre plus expressif. L’artiste peut utiliser différents moyens pour réaliser cet effet: les contrastes de couleurs, les effets d’ombre et de lumière, la taille des objets et la distance entre eux. Les éléments secondaires sont représentés avec moins de détails et de force – ils doivent faire ressortir le centre et non le bloquer.

Faites attention à la façon dont vos yeux voyagent à travers la peinture – intuitivement, vous commencez au milieu et passez au reste des éléments pour affiner l’histoire.

La perspective. Ressentez-vous la distance entre vous et le tableau? Êtes-vous un observateur ou un participant? Ce que vous ressentez est déterminé par le choix artistique – ce n’est jamais une coïncidence. Un artiste a soigneusement choisi l’angle: vous pouvez regarder vers le haut ou vers le bas, ou être au même niveau que les objets représentés. Lorsque l’horizon est au niveau des yeux, l’impression que vous obtenez est calme et stable. L’horizon élevé révélera plus d’espace, dans les paysages il offre une vue majestueuse. Les peintures à l’horizon bas, si courantes chez Dali, sont monumentales et soulignent la taille des objets et des personnages. Les vues inhabituelles de Pissarro sur Paris sont apparues lorsqu’il a peint dans les chambres d’hôtel.

LA LUMIÈRE ET LA COULEUR

La lumière et la couleur de la peinture sont toujours déterminées par l’intention de l’artiste, le concept de la peinture. Considérez donc les sources de couleur, l’heure de la journée, l’impact émotionnel de la lumière et des nuances.

La lumière est-elle neutre, nette, mystique?

Les contours sont-ils rugueux ou cachés?

Quelles couleurs prédominent – tonales ou locales, chaudes ou froides?

Quels sont les principaux champs de couleur de la peinture et leur rôle dans l’ensemble de la composition? La lumière est-elle optiquement réaliste ou expressive comme dans la peinture de Matisse?

Ressentez-vous le rythme lorsque vous répétez une couleur ou une combinaison?

Une couleur particulière est-elle prédominante?

Quelles émotions produit-il?

LA BROSSE

Selon le mouvement artistique et les particularités personnelles de l’artiste, le travail au pinceau peut aller de délicat et presque invisible à rugueux et plastique.

IMPACT

Revoyez les images et l’histoire de la peinture. Votre première impression était-elle différente de ce que vous voyez maintenant?

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